Nacida en Sunchales, provincia de Santa Fe, pero instalada en Buenos Aires a los 18 años, desde pequeña la música representó su único lenguaje para expresar emociones. Encerrada en su cuarto, en soledad, encontró refugio de un mundo que no entendía y le resultaba hostil. Allí aprendió a tocar la guitarra, el piano y a cantar a su tiempo y manera.
Una autodidacta por naturaleza, Marilina aprendió a medida que lo necesitó, y en los tiempos y formas que se amoldaba a su mundo; nunca fue como nadie y nunca lo será.
Su mas reciente álbum se titula Mojigata y acaba de estrenar Lá Lá su nuevo single
Hablamos con Marilina Bertoldi durante en Bogotá durante su paso por Rock al Parque 2023.
Calequi y las Panteras son el mayor secreto a voces surgido en Madrid en el último año. El autor, productor y multi-instrumentista, Javier Calequi, ha decidido darlo todo en su proyecto personal: Calequi y las Panteras, junto a Lauri Revuelta y Luisa Corral (Las Panteras).
Sus dos primeros Ep’s, “El Pacífico Furioso” y “El Demonio de Labios rojos”, y el primer LP “Gualicho” (2021, autoproducido) es una declaración del mundo al que nos invita a atravesar Calequi. Apoyándose en el peso vocal, genera un cóctel explosivo de funky, cumbia y rock, que logra aunar al Prince más bailable, al Beck más experimental y al groove latino de Bola de Nieve y Rubén Blades.
El argentino estrena esta colección de canciones titulada Mezcla Rica, un excelso viaje por América repleto de colaboraciones de músicos internacionales de altura como Xoel López, Lido Pimienta, Kevin Johansen, Myriam Letrce y muchos más. El disco está concebido como obra conceptual, no una suma de canciones, y con sus trece cortes nos invita a viajar, a la ensoñación y, por supuesto, ¡a bailar! para no dejar indemnes ni los pies, ni el corazón de quien lo escuche.
Un homenaje a 13 ciudades y sus sonoridades: San Juan, Medellín, Montevideo, San Jose de Costa Rica, Rio de Janerio, Sao Pablo, Santo Domingo Ciudad de México, Asunción, Santiago de Chile, Lima, New York y Buenos Aires hacen parte de este recorrido musical que nos proponen Calequi junto a sus Panteras.
Track list:
1. San Juan y Medellín (Javier Calequi y Lido Pimienta). Feat: Lido Pimienta
Un arranque dispuesto a noquear al oyente. Con el genuino olor a la calle y la gente de las ciudades que homenajea, se define como una canción claramente “calequiana” pues busca la mezcla: del sonido urbano, a la cumbia y, en ese juego, la genial intervención de Lido, que aporta, con su letra y melodía, la rima y el acento de la Colombia más arrabalera, en la que cala un mensaje reivindicativo: el baile es el territorio donde me voy a reencarnar!
2. Una Ciudad de Cristal (Montevideo) (Javier Calequi, Jorge Drexler, Pedro Mairal). Feat: Jorge Drexler, Facundo Balta y Niña Lobo.
Vio la luz, como segundo single de adelanto, el 5 de octubre y no ha dejado de crecer desde su estreno. Navega sobre un riff de guitarra inusual la dota de personalidad inequívoca; una construcción armónica rica y compleja pero que, al escucharse, suena sencilla; una dinámica que logra que te dejes llevar y desear que no acabe; una evolución melódica que sorprende; una letra cautivadora (de Pedro Mairal), que finaliza en un «obstinato» de belleza magistral (de Jorge Drexler); y la participación de las voces de otros grandes artistas (Facundo Balta y Niña Lobo) que generan un mosaico perfecto en un todo de casi 4 minutos de duración. Estos ingredientes hacen que suene embelesadora y que consiga mantenerse
en tu memoria como una llamada al lugar seguro de tu inconsciente. Una de las canciones de año.
3. La Hora Tica (San José de Costa Rica) (Javier Calequi).
Un estribillo sólo al alcance de grandes músicos. Los vientos y el ritmo en “La hora Tica” (un tiempo indefinido para los costarricenses) nos invitan a saborear el Caribe, el sol y la arena en la provincia de Limón, de donde era el genial compositor de Calypsos, Leo Walter Ferguson, recientemente fallecido y a quién también rinde homenaje la canción.
4. Doesn’t Make you Happy That I ́d Love You (NY) (Javier Calequi, Clippers, Sony). Feat: Kevin Johansen, Gaby Moreno, Luisa Corral, Oh Matov.
¿Quién dijo que lo sencillo no es hermoso? Solo voces y una discreta guitarra como base construyen una canción que al escucharla suena a un clásico de Van Morrison cantado por Tom Waits y Dolly Parton. Para esa artillería hacían falta invitados de alto octanaje: Kevin y Gaby, Luisa Pantera y Oh Matov, construyen un juego de armonías que hacen de este homenaje a la gran manzana una canción imperecedera.
5. Rua Almirante Alexandrino (Río de Janeiro) (Javier Calequi, Ugo Ceria). Feat: João Cavalcanti
Situada en uno de los montes que circundan Río, en el bellísimo barrio de Santa Teresa, se encuentra la Rua Almirante Alexandrino. Tan exultante como su ubicación es la belleza de esta canción. Para el texto de Ugo Cería, Javier plantea una atmósfera contenida que nos invita a un paseo sin prisa, con el objeto de observar y la finalidad de embelesarte. La voz de João cautiva y enamora y los arreglos electrónicos consiguen aumentar la sensación de ensoñación. Magnifica, simplemente.
6. Sin Control (Ciudad de México) (Javier Calequi)
Una canción casi folclórica, fronteriza, pequeña, recogida y susurrada, para hablar de una urbe inabarcable y descontrolada, que posee contrastes que la hacen única: la magnificencia de la naturaleza, el ferreo carácter de un pueblo orgulloso, la grandiosidad de la cultura de las civilizaciones prehispánicas o la influencia geopolítica. De todo eso cuenta “Sin Control”.
7. Bailando en Sampa (São Paulo) (Javier Calequi, Helena Papini, Sebastián Piraces, Mateo Piraces, Juliana Strassacapa). Main Artist: Francisco el Hombre
¡Qué gran acierto fue invitar a Francisco el Hombre en esta canción! Primer single adelanto del disco, editada el 5 de septiembre, está repleta de guiños y detalles que nos invitan a bailar desde su arranque. Hay samba y bossa sobre una cama de brasses en donde la letra de Javier hace que, de una, se respire el enamoramiento por la macrociudad.
8. Noche del Paraguay (Asunción) (Javier Calequi, Pedro Mairal). Feat: Miryam Latrece.
Una hermosa poesía de Pedro Mairal, pone letra a una guarania, el cautivador tributo de Javier a la capital del Paraguay y una de las joyas escondidas de “Mezcla Rica”. Junto a la voz de Javier, la de Myriam Latrece, que aporta una calidez añeja, sublimando su aire de romance eterno.
9. Siempre Vuelvo a Tus Ojos (Santiago de Chile) (Javier Calequi)
Otra vuelta de tuerca estilística para rendir tributo a la capital chilena. Para la estrofa, un verso rapeado y urbano sobre unas líneas simples de percusión y bajo que, como un río, desemboca en un estribillo de amplitud armónica y vocal, con arreglos de producción que ahondan en su caracter agridulce.
10. Ke Lo Ke (Santo Domingo) (Javier Calequi). Main Artist: Xoel López.
Y llega la revolución. Un perico ripiao dominicano con un aire de flores y color desmesurados que te atrapa y te disloca la cadera. Un ritmo vertiginoso, brasses que utilizan toda la paleta armónica, las exuberantes voces de Las Panteras incitando al delirio y la impagable maestría de Xoel aportando el timbre y la lírica diferenciales… ¿Ke lo ke?: Calequi!
11. Tu Boca de Lima (Javier Calequi, Lorena Blume). Main Artist: Lorena Blume.
Cambio de registro para homenajear a una ciudad convertida en amante. Javier nos propone un corte de tinte indie, con una letra de gran belleza que ahonda en su virtud de gran letrista. Su pareja en este baile es la dulce voz de Lorena y ambos logran emanar ensoñación y arañar los sentidos, con el Pacifico de fondo, visto desde Barranco.
12. Y Yo Pensaba Olvidarte (Buenos Aires) (Javier Calequi, Pedro Mairal).
De nuevo Pedro ilumina los versos de esta última perla que nos regala Javier. Un broche íntimo para la ciudad que lo vio nacer y marchar, una declaración de desamor que es amor, de queja que es elogio y de rechazo que es regreso. Como dijo Sábato “Cuando la dureza y el furor de Buenos Aires, hacen sentir más la soledad, salgo a caminar por esos barrios”.
Calequi y las Panteras son:
Javier Calequi: voz principal y guitarra / Luisa Corral: voz / Laura G. Revuelta: voz —–
Créditos
Vocals y coros: Javier Calequi y Las Panteras (Luisa Corral y Laura G Revuelta) Guitarras: Calequi, excepto en «Siempre vuelvo a tus ojos (Santiago de Chile)», Niqo Nieto Vientos: Philipe Lassiter, Lisandro Mansilla, Roberto Elekes, Juanlu de la Torre, Alberto Guio Bajos y Bajo Synth: Calequi, excepto en «Bailando en Sampa», Helena Papini (Francisco el Hombre) Sintetizadores: Calequi Percusión: Gala Celia Percusión 2: Michael Olivera Batería y Percusión: Borja Barrueta Batería y Percusión adicional: Adrián Seijas. Leona en «Sin control (Ciudad de México)»: Joel Castellano —– Producido por Javier Calequi y Lucas Piedra Cueva Mix: Lucas Piedra Cueva Mastering: Ultramarinos
Escucha la Radiografía especial con Javier Calequi:
El amor de Andrea, producida por La Loma Blanca,LAZONA y Nephilim, es la segunda colaboración de Vetusta Morla con el director Manuel Martín Cuenca en la creación de una BSO trasLa Hija, que les valió una nominación a Mejor Música Original en los Premios Feroz.
Este 19 de octubre se publicó la canción original: El amor de Andrea, compuesta e interpretada junto a la recién nominada a los Latin GrammyValeria Castro.
Vetusta Morla, que no solo han compuesto el tema principal, sino que también se han hecho cargo de la Banda Sonora Original de la película, han reflexionado sobre el trabajo de composición de la música de El Amor de Andrea:
Como una flor que se deshoja al revés, lo primero que compusimos para la película fue la canción principal El amor de Andrea. Desde ahí fuimos desgranando los pasajes que iban a acompañar a Andrea en su relación con el mundo y descubrimos que la música debía estar presente solo en las escenas en las que la niña soñaba y construía las fronteras de su propio mundo. La mirada femenina tenía tanto peso en la película que nos parecía casi obligado invitar a una voz femenina a llevar las riendas de la canción. Y fue Valeria Castro nuestra mejor compañera posible. Ella supo entender el universo que pedía la película desde el primer momento y nos ayudó a terminar de darle forma a una canción que creció y fue volando tras su aportación.
En palabras del director, Martín Cuenca, el tema principal, El amor de Andrea, supone «el corazón y la médula de la protagonista» y es que, para crear este tema, así como la banda sonora de la película, Vetusta Morla utilizó aquellos ingredientes que acompañan a Andrea en su lucha iniciática como son el sobrecogimiento de la música de Semana Santa o la alegría y acidez de las chirigotas, comparsas y murgas.
La banda viajó a Cádiz durante el rodaje de la cinta y además de lo que pudieron ver y escuchar, descubrieron que «en Cádiz sobrevolaba algo que iba más allá de sus paredes y tenía que ver con sus historias, las de ida y vuelta al otro lado del Océano, con el imaginario de lo que está más allá de sus callejuelas y su Caleta» y así lo reflejan tanto en la letra y música de este tema principal como en la BSO de la película.
En cuanto a los instrumentos utilizados, con todo lo absorbido durante la lectura de guion y todo lo que rodeó el rodaje, Vetusta Morla decidió que para la banda sonora utilizaría instrumentos no amplificables, dejando el terreno de las cuerdas para instrumentos acústicos de poco tamaño y escala corta y el de la percusión para golpes y sonidos extraídos de la propia película: las horquillas de Semana Santa, percusión en ventanas y escaleras, tamboras, bombos verticales o panderetas. Después complementamos esa tímbrica esencialista con los sonidos de los vientos madera, instrumentos que tienen la inaudita capacidad de aunar en su carácter la procesión sacra y el desfile carnavalesco, la taberna y el altar.El amor de Andrea, la historia de una joven que quiere recuperar el amor de su padre, llegará a los cines de España el 24 de noviembre de la mano de FILMAX.
El vínculo de Vetusta Morla con el cine va más allá de estas últimas colaboraciones: Guille Galván compuso La Apuesta, la canción original de la película ¿Qué te juegas?, dirigida por Inés de León. Por otro lado, Juanma Latorre ha compuesto la Banda Sonora Original de Teresa, la nueva película de Paula Ortiz. Además, Pucho, vocalista de la banda, ha formado parte del jurado de festivales como el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, FilMadrid o el Festival Internacional de Cine de Gijón. David el Indio ha impulsado Gipsy Power, la BSO del cine quinqui, un recopilatorio con textos de José Manuel Gómez “Gufi”.
Sin importar el mes del año en el que se haga Rock al Parque, la lluvia ha sido una de sus fieles acompañantes. Fuera en mayo, julio, octubre o noviembre, parecía imposible evadir el mal clima, como si el festival tuviera un imán para atraerlo. Solo de vez en cuando los rayos del sol iluminaron el Parque Simón Bolívar en las más recientes ediciones del festival, acostumbrando al público a llevar siempre el vestuario para soportar horas seguidas de agua.
El pasado Rock al Parque fue la excepción. Los chilenos de Los Jaivas aterrizaron en una soleada Bogotá, sin creer que los días anteriores el agua había provocado estragos en la ciudad. Ante los asistentes al Teatro Jorge Eliécer Gaitán, brindaron un emotivo recital. “Es el mejor concierto que hemos hecho en Colombia”, dijo bromeando Mario Mutis, uno de los integrantes originales del grupo, ante una sala llena de chilenos y colombianos que lo habían esperado por décadas, tras 60 años de trayectoria sin haber pisado el país.
Los Jaivas / Foto: Cortesía Idartes
Los días pasaron y el sol se mantuvo. Desde el sábado y durante el puente festivo, entrar al Parque Simón Bolívar parecía un viaje en el tiempo, cuando el calor sofocaba a los asistentes de camisa negra en las primeras ediciones del festival, en los años 90.
El primer día, no parecieron ser tantos los metaleros asistentes como en los años anteriores, ni los mismos. Las hipótesis lanzadas por los expertos en el género musical son que este año no hubo tanto black ni death metal y el grupo más reconocido que debutaba era In Flames de Suecia que, en su momento, los noventa, conquistó oídos de un público más amplio y menos radical, menos vestido de negro. Por eso, faltaron los fanáticos del metal más extremo.
Ana Curra / Foto: Cortesía Idartes
Los otros dos días evocaron también las viejas épocas. El sonido aún por pulir de algunas de las agrupaciones distritales, más los clásicos del ska latinoamericano que solían convocar a las multitudes y las propuestas experimentales atrajeron al parque a nuevos públicos y a bogotanos que llevaban años sin asistir al parque. Combos de ‘cuarentañeros’ estuvieron frente al imponente show de la española Ana Curra -ligada a la icónica movida madrileña-, una población que hizo presencia de nuevo en Rock al Parque, tras un largo rato de preferir ver el festival por televisión para evitar jornadas extenuantes y frías al aire libre.
Un momento memorable fue el del show de LosPetitFellas, quienes llamaron una nueva generación -y tal vez algo de público diferente- al parque y recordaron aquellas propuestas que sorprendían por su originalidad cuando aparecían en las tarimas de Rock al Parque. Por un instante, las reacciones del público parecían las que en su momento lograron los ya desaparecidos Los Tetas de Chile o, incluso, los argentinos de Illya Kuryaki & The Valderramas, que atraían miles de jóvenes por su novedosa música, cuando no había redes sociales y los públicos alternativos se formaban gracias a MTV, a las revistas independientes o a la Radiodifusora Nacional de Colombia. Esta vez fueron ‘los Fellas’ los que hicieron prender miles de luces de celulares y, conmovidos con la respuesta por parte del público, lograron una profunda conexión con ese instante, que recordarán por siempre.
También hubo lugar para los conciertos de propuestas diversas como las de los chilenos Javiera Mena o Matías Aguayo, y la de los mexicanos de Sonido Gallo Negro, que evocaron aquellas sensaciones que en 2001 provocaron sonidos como los de los mexicanos de Kinky, Sussie 4 o Nopal Beat, cuando la electrónica latinoamericana se empezó a incluir en el festival, contra la voluntad de los puristas y los rockeros radicales, que más de 20 años después aún se oponen a que propuestas como estas sean incluidas en el evento.
Entre las sorpresas nacionales estuvieron los clásicos de Medellín Los Árboles, las originarias de Pasto (sur de Colombia) Las guaguas del punk o los bogotanos de La Real Academia del Sonido, que sobrepasaron las expectativas de asistencia en sus presentaciones y mostraron la existencia de los diferentes nichos de la música hoy día. Asimismo ocurrió con los españoles de Carolina Durante o los mexicanos de Daniel, me estás matando, cuyas canciones fueron coreadas por cientos de fervientes seguidores.
LaTenaz / Foto: Cortesía Idartes
Rock al Parque es un evento público que fue creado originalmente para destacar a los grupos locales, por lo que es importante resaltar dos actuaciones. Una es la del grupo Armenia, que rápidamente se ha hecho a una gran fanaticada entre los más jóvenes, y la otra es la de LaTenaz, con su propuesta de ‘rock arrabalero’, protagonizada por la fuerza de la voz de Tana Vallejo, una artista que ha acompañado el sonido bogotano desde la escena alternativa las últimas dos décadas.
Otra presentación clave del festival fue la de Aterciopelados. Aunque cuando su participación fue anunciada abundaron los comentarios negativos en redes sociales, reclamando oportunidades para nuevos artistas, allí, en vivo y en directo, se demostró una vez más que los haters virtuales no son el público real. Tal vez las críticas se dieron porque no se explicó a tiempo que los ‘atercios’ estarían allí con un repertorio especial, el de su álbum El Dorado, y no con una presentación habitual. Ante los aplausos y, como en LosPetitFellas, las luces cubriendo toda la plaza del Parque Simón Bolívar, se hizo evidente, de nuevo, que Andrea Echeverri es la figura más carismática del rock colombiano. Es indiscutible.
Sin lluvia, miles de aficionados al reggae, el ska y sus parientes musicales cercanos volvieron también al parque, como en los viejos tiempos, a disfrutar de Javier Alerta, Los Auténticos Decadentes, Los Pericos, Salón Victoria, Los Calzones y Tijuana No. Un momento mágico pudo haber sido el de Julieta Venegas haciendo una aparición en Pobre de ti, pero no ocurrió. Eso sí, la mexicana recordó en su concierto la importancia de Rock al Parque en su carrera, ante miles de personas felizmente estrujadas de poder ver gratis a la ahora gran estrella pop.
La Vida Boheme / Foto: Cortesía Idartes
Entonces, los momentos mágicos o al menos cautivantes no los proporcionaron solamente los artistas más famosos y estuvieron también en las presentaciones de debutantes en el Simón Bolívar. Las puestas en escena de los venezolanos de La Vida Boheme y de la argentina Malirina Bertoldi fueron un poco más allá de las canciones.
Henry D’Arthenay encarnizó su personaje de frontman en tarima, que excede al de un cantante común por su vigor y teatralidad, y convirtió el concierto en un performance, de la mano de la interpretación musical impecable de sus compañeros en escena. Con sus overoles amarillos, mientras una nube gris intentaba sin éxito opacar el sol, los integrantes de La Vida Boheme por fin pudieron estar en el tan anhelado festival, para el cual intercambiaron su típica canción de cierre La vida mejor por un oportuno tema, como si hubiera sido compuesto para ese momento. Con Acción (o decreto de guerra a muerte a los traidores del rock latinoamericano) se despidieron de Rock al Parque.
Marilina Bertoldi / Foto: Cortesía Idartes
En la noche, frente a un público más discreto pero apasionado por su primera aparición en Colombia, Marilina Bertoldi se presentó con un set en el que hizo gala de sus habilidades artísticas y su hambre por explorar los matices de sus distintas canciones, a veces en la guitarra y otras en la batería. Mientras las multitudes bailaban ska en el final del festival, hablamos con ella y le dimos nuestro cierre a la edición 27 de Rock al Parque.
El sucesor de Si Mi Rayo Te Alcanzara ya es una realidad, Caldo Espíritu es el quinto álbum como solista de Xoel Lopez que se estrenó hace unas semanas y su gira tendrá como punto de inicio fundamental el show que ofrecerá en el Wizink Center de Madrid el próximo 29 de Noviembre.
Este nuevo trabajo es una obra compleja e intimista, un auténtico ejercicio de libertad creativa que demuestra su madurez compositiva. Un trabajo personal, crudo y visceral. La voz del artista coruñés se erige como el elemento principal para transmitir emociones profundas, mientras que las letras exploran reflexiones íntimas enlazadas con lecturas sobre la sociedad actual. Este álbum marca un nuevo enfoque en su carrera, sin prejuicios, sin miedo a volver a explorar territorios musicales previos, pero sin abandonar la curiosidad de transitar en nuevos campos sonoros.
Caldo Espírito no es un simple conjunto de canciones, es un viaje evocador y conmovedor que anima a explorar las experiencias que abarca la vida contemporánea. El título en sí es una poderosa metáfora que fusiona el italiano, donde «caldo» significa «caliente», y el gallego, donde «espírito» significa «espíritu». Más allá de las palabras, el nombre encapsula la esencia del álbum: una propuesta musical festiva para combatir la frivolidad del mundo en el que vivimos. Es un esfuerzo valiente de Xoel por recuperar la calidez humana y la espiritualidad a través de su arte y cada canción es una invitación a sumergirse en su corazón y alma, pero también a encontrar una conexión con nuestras propias experiencias personales a través de sus letras.
A lo largo de los años, Xoel ha huido de etiquetas y fronteras musicales, y este álbum es un ejemplo claro de su audacia y versatilidad, así como de todas las etapas que ha experimentado en su carrera musical. Caldo Espírito nos lleva desde canciones de cantautor puro hasta paisajes sonoros de rock y raíces, demostrando que su música no puede ser encajonada. Las estructuras de las canciones son reinventadas, los sonidos explorados y las temáticas reinterpretadas.
El proceso de grabación fue una obra colaborativa cocinada a fuego lento, con colaboradores como Domenico Lancellotti, Lucas Piedra Cueva,Leo Aldrey, Adrián Seijas y Carles Campi Campón, entre otros, que desempeñaron roles fundamentales en la creación de este álbum, tejido en diferentes localizaciones del globo terráqueo: desde casas rurales perdidas en los montes gallegos a otras situadas en territorio mexicano.
Las voces de Meritxell Neddermann, Marina y Teresa deRepion agregan una capa adicional de emotividad y profundidad a las canciones, contribuyendo a crear un disco de voz que captura la intensidad y la emoción de Xoel. Este álbum marca un nuevo hito en su carrera y es un testimonio de su evolución y la libertad creativa, demostrando que es un artista que sigue rompiendo barreras, creando melodías atemporales con capacidad para convertirse en clásicos contemporáneos.
En definitiva Caldo Espíritu es una receta para el alma, un viaje sónico de 11 canciones llenas de apasionantes historias, polirrítmia, y múltiples emociones que refrescan nuestras cabezas en este saturado y distorsionado universo musical.
Este fin de semana será el tradicional festival bogotano, que de nuevo trae un amplio cartel iberoamericano con artistas clásicos y emergentes; y un regreso contundente del ska y el reggae del continente.
Para su edición 2023, Rock al Parque, el festival de entrada libre más reconocido de América Latina, tendrá un cartel variopinto con propuestas de Argentina, Chile, España, México, Perú, Puerto Rico y Venezuela, además de los grupos nacionales y bogotanos que son los protagonistas del evento.
El cartel de clásicos estará encabezado por Los Jaivas de Chile, que tras 60 años de carrera, estarán por primera vez en Colombia, una deuda histórica que quedará saldada el jueves 9 de noviembre, cuando se presenten en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán en la gala de apertura de Rock al Parque.
También estarán Los Pericos de Argentina en su tercera aparición en los 27 años del festival y Julieta Venegas, que estuvo allí hace casi 20 años y se presentará el mismo día de sus compatriotas y excompañeros de Tijuana No, con quienes seguramente compartirá escenario recordando sus inicios musicales.
Ana Curra viajará desde España a revivir la clásica movida madrileña, el movimiento contracultural del rock and roll en la España de los ochenta; mientras que Los Calzones y Los Auténticos Decadentes de Argentina serán los representantes del ska de su país, al igual que Nonpalidece, que llega por primera vez con su sonido reggae.
También será el debut en este legendario evento de chilena Javiera Mena y su compatriota Matías Aguayo; de La Vida Boheme de Venezuela, Las Pastillas del Abuelo de Argentina y Los Punsetes de España; Salón Victoria y Sonido Gallo Negro de México.
Entre los sonidos emergentes en el continente visitarán el Parque Simón Bolívar Carolina Durante y Laura Sam de España; Daniel, me estás matando y Erich, de México; Los Outsiders de Perú; y Miss Bolivia y Marilina Bertoldi de Argentina, además de propuestas más pop como la del puertorriqueño Cabra y El Kanka de España.
El festival será del 11 al 13 de noviembre en Bogotá, donde los principales anfitriones serán Aterciopelados, que este año celebraron su clásico álbum El Dorado; el representante del reggae Javier Alerta y LosPetitFellas, además de los emergentes de Armenia o La Tenaz; que complementarán el cartel colombiano compuesto por grupos de diversas ciudades como Los Árboles y La Banda del Bisonte de Medellín, que cuentan una amplia trayectoria.
En este episodio repasamos el proyecto de Identidad Sonora para LALIGA que se estreno hace unos meses, explicamos el proceso de la mano de Ramon Vivés Managing Director de Sixième Son España y declaraciones de Angel Fernandez CMO de LALIGA durante el evento de lanzamiento de la nueva marca.
MAS ALLÁ DE LA MÚSICA
Una identidad sonora efectiva refuerza el reconocimiento de marca, su comprensión y diferenciación.
El uso del sonido y la música como herramientas de marca ayuda a destacar y a construir valor.
La identidad sonora se adapta a cada punto de contacto para crear una experiencia de marca coherente y consistente. Cada adaptación tiene un objetivo de comunicación específico y requiere una solución musical única.
Así lo explica la nota de prensa:
Con el inicio de la temporada 23/24, LALIGA presenta la nueva banda sonora que acompañará la competición, compuesta por Ramón Rodríguez, conocido por su banda The New Raemon, una de las más influyentes en el pop rock indie de nuestro país, así como por ser un respetado compositor español de piezas para cine y publicidad, a través de su productora Cielos Estrellados y su alter ego Herrero Goldsmith.
Partiendo del himno, la agencia líder en audio branding Sixième Son, desarrolló un sistema musical para hacerlo más ergonómico y adaptarlo a todos los puntos de contacto.
La esencia de esta nueva banda sonora radica en la fusión entre el mundo del fútbol y la tecnología, reflejando así la visión de LALIGA de trascender las fronteras tradicionales y abrir paso a un universo sonoro inmersivo que acompaña a los aficionados en los partidos, a través de sonidos más contemporáneos y alternativos. Una esencia que, además de ir en línea con la colaboración entre LALIGA y EA SPORTS, trata de capturar tanto la pasión intrínseca del fútbol como la vanguardia tecnológica que caracteriza a la era actual.
Esa nueva esencia también es visible gracias a la icónica canción “Song 2” de Blur, que abre los partidos. Este himno, compuesto por la banda británica de rock alternativo, históricamente ha estado ligado al deporte y al videojuego, y a su vez, encaja a la perfección con la nueva banda sonora por su tono, energía e intención.
LALIGA ha trabajado, más que un himno, un sistema sonoro que revoluciona la identidad sonora hacia una banda sonora que amplifique la energía y pasión del fútbol y al mismo tiempo refleje la realidad multicultural y diversa de los 42 clubes que conforman la institución. Los elementos más diferenciales de este nuevo universo musical:
Riffs de Guitarra: Estos riffs dinámicos y enérgicos simbolizan la intensidad y la emoción que caracterizan cada partido de fútbol. Sirven como un llamado a la acción, preparando a los aficionados para disfrutar de la experiencia en su máxima expresión.
Coros Inclusivos: Los coros permiten que los aficionados se unan al himno de manera activa, creando un sentimiento de comunidad y pertenencia. Este componente refleja la unión de los seguidores de todas las culturas, eliminando barreras y generando una auténtica «comunión con el fan».
Glitches: Los guiños sutiles a la innovación y la tecnología, inspirados en el mundo de los videojuegos, añaden una dimensión vanguardista e innovadora al himno. Estos elementos reflejan la asociación de LALIGA con EA SPORTS y su compromiso con la evolución tecnológica.
LaLiga despliega un universo sonoro envolvente que acompaña a los aficionados en su experiencia completa de los partidos, con una serie de piezas derivadas del himno, que dan vida a la retransmisión, con momentos definidos y reconocidos por los aficionados. Sixième Son ha diseñado y ajustado al mundo audiovisual un sistema identitario aprovechando al máximo cada sonido; desde las guitarras a los cánticos de los seguidores pasando por los momentos clave del juego para, de ese modo, intensificar la conexión emocional entre los aficionados y el deporte.
Estas piezas son:
«Tension Rising»: Una pieza que marca la introducción del partido, capturando la creciente tensión que precede a los momentos cruciales. Su versatilidad la convierte en un componente clave.
«Line Up»: Esta pista de seis minutos y medio está diseñada para acompañar elementos gráficos como alineaciones y datos estadísticos. Como característica principal, aporta un tono tecnológico e informativo.
«Warm up»: Una interpretación larga que anticipa la tensión previa al inicio del partido, ideal para momentos como la salida de los jugadores al campo o en el túnel de vestuarios.
«Powerful Anthem»: Un himno motivador que durante dos minutos eleva la emoción en el estadio. Está destinado a acompañar la entrada del público y las celebraciones de los equipos.
«Highlights»: Una pieza dinámica que acompaña al resumen de las jugadas clave durante el descanso y al final del partido.
«Epic International»: Con tan solo 40 segundos, esta pista épica cierra la retransmisión con grandiosidad y emoción, dejando una impresión duradera en los corazones de los aficionados.
“Sonic Logo”: Es el corazón sonoro, condensa sintéticamente toda la identidad sonora, el diseño sonoro que equivale y que acompaña al logotipo visual animado con el propósito de reforzar las comunicaciones. Activa el reconocimiento de la marca dejando una huella auditiva memorable.
Esta nueva identidad sonora promete transformar la experiencia del fútbol, fusionando la pasión de los aficionados con la magia del juego en una mezcla armoniosa de emociones, y representa un paso más de LALIGA para seguir posicionándose como una compañía líder en entretenimiento.
Pedro Aznar, uno de los músicos más respetados y aclamados de América Latina, se prepara para hacer un recorrido por su historia y su legado musical en Europa con una gira que promete ser inolvidable. Con conciertos programados en las ciudades más importantes de España, el artista hará vibrar a sus fanáticos con su música y su inigualable presencia en el escenario.
Las fechas de la gira incluyen las siguientes ciudades: ● Barcelona: 24 de Noviembre – Teatre Casino Aliança ● Valencia: 27 de Noviembre – Teatre Talia de Valencia ● Mallorca: 28 de Noviembre – Trui Teatre ● Málaga: 3 de Diciembre – París15 ● Madrid: 4 de Diciembre – Teatro Reina Victoria
Pedro Aznar ha dejado una huella imborrable: fue parte fundamental de Serú Girán, una banda considerada un hito en la historia no solo del rock argentino, sino también de la música en general. Además, se unió al prestigioso Pat Metheny Group, con el que realizó giras mundiales y recibió tres premios Grammy. A lo largo de su carrera, ha colaborado con numerosas figuras notables del ámbito argentino e internacional, incluyendo a Charly García, Joan Manuel Serrat, Luis Alberto Spinetta, Mercedes Sosa, Fito Páez, Roger Waters, Shakira, Caetano Veloso o Soda Stereo, entre otros.
Además, ha compuesto música para once películas y ha sido galardonado con varios premios Cóndor de Plata. También ha musicalizado obras de teatro y danza y experimentó con la literatura con la publicación de dos libros de poemas. Es considerado, además, una figura destacada en la cultura musical de América Latina, habiendo recibido tres premios Grammy, varios Premios Gardel, el Premio Konex y dos Premios Clarín.
Su mas reciente trabajo musical es un álbum doble titulado: El Mundo no se hizo en Dos Días, en donde Pedro experimenta con distintas sonoridades y poliritmias.
Voces del público de un club nocturno bogotano le gritan constantemente “te amo” a Luca Bocci entre canción y canción, como si se tratara de un rito de alabanza. Sus seguidores demuestran la profunda conexión que tienen con las composiciones del joven argentino y le dan gracias por su música, enviando toda su energía hacia la tarima.
Bocci hace parte de una generación de artistas independientes que llenan auditorios de América Latina sin la necesidad del apoyo mediático de otros tiempos. Aunque aún es más pequeño que Usted Señalemelo o Bandalos Chinos, que vendieron todas sus entradas este año en varias ciudades del continente, el mendocino construye un camino firme hacia aquel lugar que cualquier músico aspira: vivir del arte y compartir sus canciones con miles de personas.
Con autores como él, Argentina se siente presente de nuevo, luego de un silencio de varios años de los sonidos provenientes del país austral o, al menos, de su falta de resonancia en el resto del continente.
En su visita a Bogotá, dentro de su gira Latinoamérica 2023 que incluyó a diferentes ciudades de México, de Colombia y a Ecuador y Perú, hablamos con Bocci, justo horas antes del estreno de su nuevo álbum Paraíso Corazón, una conversación que repasa sus distintos discos, su concepto del arte y sus fuentes de inspiración.
El autentico Power Pop Trió nos presenta su mejor versión con su 10o álbum en estudio, en esta oportunidad fue Sergio Perez quien se encargó de la mezcla y la producción. Los 3 Sidonies contaron tambien con la ayuda de sus indispensables Santos & Fluren en Blind Records Barcelona y Harto Rodríguez quien se encargo también de una parte en los Metropol Estudios de Madrid.
Marc, Axel y Jes es el titulo del nuevo álbum de Sidonie. 10 tracks muy frescos y muy bien trabajados, con una sonoridad muy clara y efervescente representada en Pesado y Estúpido, Me Gustas Todo el Rato, Es Muy Pop o los sonidos crunch guitarreros que nos recuerdan algunos cuadros igual de deprimentes a los de 1997 y los recuerdos de nuestros primeros Cedes.
Pero sin duda la joya del álbum es No Salgo Más, todo un clásico inmediato que puede ser considerado como una declaración de principios y una muestra que los años no vienen solos sino acompañados de grandes momentos pop.
Ademas de ser integrantes de Zoé, Jesús Báez y Ángel Mosqueda han fundado este proyecto que desde hace algunos años los ha mantenido muy ocupados. Estuvimos con ellos durante el Festival Cordillera en Bogotá y nos contaron todos los detalles sobre su primer álbum.
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